La condition de l'artiste à travers les siècles
Par Jean Monneret
Avant le XVe siècle
Par définition l’artiste est un témoin de son temps. Avant le XVe siècle, quel que soit son talent, reconnu/ou non, il ne bénéficie pas du statut d’artiste tel que nous le définissons aujourd’hui. Il ne commence à en être doté qu’au moment de la première Renaissance, et bien avant, dans la Grèce classique.
En Égypte, l’artiste est uniquement au service du Pharaon, dont le pouvoir absolu prend sa source dans la religion. Il est un exécutant, à son service, sous la dépendance du clergé. Son statut n’évolue pas en trente siècles.
En Mésopotamie, son statut prend une connotation esclavagiste, comme à Rome, où il évolue entre le rôle de l’esclave et celui du mercenaire.En Grèce, « l’homme étant la mesure de toute chose », l’artiste signe son œuvre. L’art, chargé de sens, cesse d’être fonctionnel et fait découvrir une nouvelle jouissance, l’esthétisme, le plaisir du regard et de l’esprit.
“Saint-Luc peignant La Vierge”
Fresque, XIIe s., détail.
(Canville La Roque, Cotentin)
Le premier modèle des peintres, c’est la Vierge Marie.
Le premier des peintres, c’est Saint-Luc, foi d’évangéliste.
Après le XVe siècle
En simplifiant, nous distinguons du Moyen Âge à nos jours trois types d’organisation du métier de l’artiste : la corporation, l’académie et le système du marché.
La corporation des peintres et des sculpteurs est organisée en 1391. Le roi, Charles VI, va sombrer dans la folie l’année suivante et la Guerre de Cent ans bat son plein.
Les artistes, hommes de métier — comme les artisans obtiennent l’instauration d’un monopole à leur profit.
Jurés, règles, contrats d’apprentissage, stages de compagnon, confection du chef d’œuvre jalonnent l’apprentissage ou la pratique de la profession. Là, prend probablement sa source l’idée de récompense, de reconnaissance par les médailles, qu’institutionnalisera la Révolution française : liberté, égalité… médailles !
L’artiste est son propre marchand. Il a le droit d’ouvrir boutique.
“Autoportrait
Antan Moor Van Dashorst dit Antonio Moro (v. 1519-1576),(Musée des Offices, Florence).
Artiste international, il reflète bien l’allure de l’artiste de la Renaissance, dont le statut n’est plus celui du modeste artisan médiéval. Influencé par les Vénitiens, il marque à son tour les portraitistes espagnols jusqu’à Velasquez.
Cet Hollandais travaille pour Charles Quint et Philippe II.
Le cadre de vie de l’artiste pourra être la cour des princes, mais aussi celui de certaines abbayes.
Le milieu artistique a favorisé le cosmopolitisme au moment où la société, au XIVe siècle, a conféré un statut particulier aux artistes attachés aux mécènes ou aux cours princières.
Le jeu des alliances de celles-ci qui n’hésitent pas à se « prêter » leurs artistes, a donné à l’art gothique un caractère international. Le monopole de la corporation, exigeant la maîtrise, sera fortement atteint au début du XVIe siècle par la possibilité offerte par le roi d’obtenir un brevet, sans l’obligation d’exécuter le chef d’œuvre.
À la Renaissance italienne, l’artiste n’est plus un fabricant, mais un créateur. Il est soustrait aux normes communes. Cette conception se répand en France tandis que le voyage de Rome s’inscrit dans la formation de l’artiste.
L’art devient libéral, distinct de l’artisanat et du commerce.
Auteur : Jean Monneret,
Catalogue raisonné du Salon des Indépendants 1884-2000.
Edition Eric Koehler, novembre 2000
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